Quand démocratiser l’art à tout prix finit peut nuire aux artistes

L’art devrait-il être accessible à tous?

Instinctivement, plusieurs répondront oui. Et honnêtement, moi aussi.

J’aime, comme tout le monde,  l’idée que l’art puisse entrer dans les maisons, provoquer des émotions, ouvrir des discussions et accompagner le quotidien des gens. J’aime aussi créer des œuvres plus accessibles, proposer des produits dérivés ou participer à des projets communautaires qui permettent à davantage de personnes de connecter avec mon univers.

Mais avec le temps, une réflexion plus inconfortable s’est installée en moi :

À partir de quand la démocratisation de l’art commence-t-elle à dévaloriser le travail des artistes qui en vivent?

Parce qu’entre rendre l’art plus accessible… et demander aux artistes de toujours vendre moins cher, il existe une nuance importante.

Une nuance dont on parle encore très peu.

Le problème n’est pas l’accessibilité.

Avant toute chose, je crois qu’il est important de préciser ceci : cet article n’est pas une critique des gens qui n’ont pas les moyens d’acheter de l’art.

Ce n’est pas non plus une attaque envers les artistes amateurs ou les créateurs qui peignent pour le plaisir.

Créer devrait rester un espace libre, vivant et accessible.

Le véritable enjeu apparaît lorsque l’accessibilité devient une attente constante envers les artistes professionnels. Une sorte de pression silencieuse qui laisse entendre que, pour être aimé, visible ou légitime, un artiste devrait continuellement réduire la valeur de son travail.

Comme si rendre l'art accessible devait forcément passer par le sacrifice de ceux qui le créent. 

Le mythe de l’artiste qui crée uniquement par passion

Dans l’imaginaire collectif, l’artiste occupe encore une place étrange.

On admire sa passion, sa sensibilité, sa créativité… mais on a parfois du mal à reconnaître son travail comme un véritable métier.

Après tout, il “fait ce qu’il aime”.

Cette phrase, souvent dite avec admiration, devient parfois dangereuse lorsqu’elle sert inconsciemment à justifier la précarité.

Parce qu’un artiste professionnel ne vend pas uniquement une toile, du matériel ou quelques heures de travail.

Il vend aussi :

• des années de recherche

• une expertise développée avec le temps

• des essais ratés

• une vision

• une démarche artistique

• une entreprise entière à gérer

Créer ne retire pas la dimension professionnelle du métier.

Au contraire!

Une anecdote qui m’a profondément fait réfléchir

Lors d’un symposium, une artiste plus âgée est venue me voir pour me féliciter sur mon travail. Elle était sincère, gentille et visiblement touchée par mes œuvres.

Après quelques minutes de discussion, elle m’a demandé si elle pouvait me donner un conseil.

Avec un sourire, elle m’a dit :

« Si tu baissais un peu tes prix, tu vendrais plus. Tu as vraiment beaucoup de talent. »

Sa remarque n’était pas méchante. Elle se voulait probablement bienveillante ne sachant pas que je vivais de mon art.

Mais elle m’a frappée de plein fouet. Mes yeux se sont inévitablement agrandis et un petit rire jaune a glissé entre mes lèvres.

Parce qu’à ce moment-là, j’ai réalisé à quel point plusieurs personnes, même dans le milieu artistique, ne perçoivent pas toujours la différence entre :

• créer pour le plaisir

• et vivre de sa pratique artistique

Cette artiste peignait principalement par passion. La vente de ses œuvres lui permettait surtout de financer son loisir créatif, chose qu’elle a avoué elle-même.

Moi, je paye mon hypothèque avec mes tableaux. Et cette nuance est très importante! 

Par curiosité, j’ai refait mes calculs.

En retirant :

• le coût du matériel

• les taxes

• les frais liés à mon entreprise

• les heures de création

…certaines de mes petites œuvres me rapportaient environ 12 $ de l’heure.

Bien sûr, le travail d'un artiste ne se calcule pas uniquement en heures. Mais comme la majorité des gens sont salariés, le taux horaire reste souvent l'image la plus parlante pour mettre les choses en perspective. 

Ce moment m’a fait réfléchir longtemps.

Pas parce que je croyais cette dame mal intentionnée. Mais parce que sa remarque révélait quelque chose de beaucoup plus grand : une perception profondément ancrée selon laquelle l’art devrait toujours être plus accessible… même lorsque cela fragilise ceux qui le créent.

Le faux mythe du “vendre plus pour gagner plus”

On entend souvent cette logique :

« Si tes prix étaient plus bas, tu vendrais davantage. »

Et parfois, c’est vrai.

Mais dans le domaine artistique, cette idée comporte une limite importante.

Si un artiste réduit constamment ses prix pour vendre plus, il doit aussi produire davantage pour maintenir un revenu viable.

Autrement dit , plus de production est égale à plus d’heure de travail. 

Plus d’heures de travail correspond à plus de pression et donc plus de fatigue.

…pour parfois gagner moins.

Cette logique transforme tranquillement la création en chaîne de production.

Et à long terme, cela peut nuire à la qualité de son travail, sa santé mentale, à sa créativité et à la longévité de sa carrière artistique.

On oublie parfois qu'un artiste professionnel est aussi un entrepreneur. Et pour qu'une carrière artistique puisse durer, la passion seule ne suffit pas. 

Quand l’art devient perçu comme un simple loisir créatif

Les réseaux sociaux ont aussi contribué à brouiller certaines perceptions.

Aujourd’hui, on voit des vidéos accélérées, des “behind the scenes” et des contenus produits rapidement.

Tout semble facile. Fluide. Naturel.

Mais tout ça vient mettre un filtre au vrai travail artistique. On ne voit pas les années de pratiques, d’explorations et de perfectionnement. On ne voit pas nos échecs, les coûts associées à notre pratique et tout le processus de réflexion qu’implique une démarche de création.

Créer avec passion ne signifie pas créer gratuitement.

Et aimer son métier ne devrait jamais obliger quelqu’un à accepter de s’appauvrir pour continuer à l’exercer.

Pourtant, rendre l’art accessible peut être magnifique

Je crois malgré tout qu’il existe de très belles façons de démocratiser l’art sans dévaloriser les artistes.

Par exemple :

• proposer des impressions ou des produits dérivés

• créer des œuvres de plus petit format

• offrir des ateliers

• participer à des projets communautaires

• organiser des activités éducatives

La nuance importante, c’est que ce choix devrait venir de l’artiste lui-même.

Pas d’une pression extérieure qui laisse croire qu’un artiste devrait constamment réduire sa valeur pour mériter sa place.

Valoriser l’art, c’est aussi valoriser ceux qui le créent

Une société qui souhaite réellement rendre l’art accessible devrait aussi apprendre à respecter la réalité économique des artistes.

Parce qu’au fond, démocratiser l’art ne devrait jamais signifier appauvrir les créateurs.

L’art nourrit les espaces, les émotions, les réflexions et les souvenirs.

Mais derrière chaque œuvre se trouve aussi un humain qui tente, comme tout le monde, de vivre dignement de son travail.

Et peut-être qu’avant de demander aux artistes d’être toujours plus accessibles, il faudrait d’abord se demander pourquoi leur juste valeur nous rend parfois inconfortables.

D’ailleurs, cette réflexion m’a aussi ramenée à quelque chose de très humain : le doute.

Même après des années à créer professionnellement, un simple commentaire peut parfois suffire à nous faire remettre notre valeur en question.

Si ce sujet vous interpelle, je vous invite aussi à lire mon article :
« Nous sommes toujours l’imposteur de quelqu’un. »